NABA Painting and Visual Arts/What's going on?

Io, Luca Vitone | a cura di Luca Lo Pinto e Diego Sileo | 12.10.2017 | Pac, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 10/10/2017


Io, Luca Vitone

a cura di Luca Lo Pinto e Diego Sileo

INAUGURAZIONE  giovedì  12 ottobre ore 19.00 (su invito)

APERTURA AL PUBBLICO venerdì 13 ottobre – domenica 3 dicembre 2017

PAC Padiglione d’Arte Contemporanea
Museo del Novecento
Chiostri di Sant’Eustorgio

In occasione della Tredicesima Giornata del Contemporaneo dedicata all’arte italiana, il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano presenta Io, Luca Vitonela prima ampia antologica dedicata all’intensa e varia produzione dell’artista italiano nato a Genova nel 1964 e oggi di stanza a Berlino.

Promossa da Comune di Milano – Cultura e prodotta dal PAC di Milano con Silvana Editoriale in collaborazione con i Chiostri di Sant’Eustorgio e con il Museo del Novecento, la mostra è curata da Luca Lo Pinto e Diego Sileo e apre in occasione della Tredicesima Giornata del Contemporaneo, indetta per sabato 14 ottobre 2017 da AMACI Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani di cui il PAC è socio fondatore dal 2003.

Partendo dall’architettura, fisica e storica, dei luoghi, Luca Vitone analizza una dimensione personale costruita attraverso la stratificazione di diversi linguaggi legati all’identità e alle radici del luogo stesso, sfidando le convenzioni della memoria labile e sbiadita. Come un viaggiatore curioso e instancabile, con uno spirito a metà tra l’anarchico e il nomade, il suo lavoro esplora i modi in cui i luoghi costruiscono la loro identità attraverso la cultura: arte, musica, architettura, politica e minoranze etniche.

Il progetto si estenderà inoltre alla città di Milano su due direttrici: una selezione di opere dell’artista, curata da Giovanni Iovine,  sarà installata all’interno dell’affascinante complesso museale dei Chiostri di Sant’Eustorgio – una delle basiliche più antiche di Milano fondata nel IV secolo – mentre l’installazione Wide City (1998), acquisita dal Comune di Milano nel 2004, verrà allestita per la prima volta al Museo del Novecento.


Ugo La Pietra | TEXTURED FIELD Signs and the Urban 1964/1972 | curated by Marco Scotini | 10 October | Studio Dabbeni, Lugano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 09/10/2017





Ugo La Pietra TEXTURED FIELD Signs and the Urban




Curator Marco Scotini



From 11 October to 9 December 2017

Opening Tuesday, 10 October, from 6 to 8 p.m.


Ugo La Pietra,* after the sign-related  experiences developed within the Gruppo del Cenobio (1962/1963) and the Lepre Lunare (1964/65), from the mid-1960s has been using his own sign to explore the relations between  “disturbing  elements  within  a programmed  base”,  in  a series  of  pictorial  works  (canvases  and drawings), and in transparent methacrylate that is shaped by heating and etched when cold.

As  early  as  the  mid-1960s  Gillo  Dorfles  referred  to  these  works  as  “randomic”:  the  programming  of structural  areas  in  the  works  of  Ugo  La  Pietra  of  the  randomic  type,  that  is,  with  a  high  quotient  of randomness, haphazardness.…”.

These  visual  studies  can  clearly  be  referred  to  the  theory  of  the  Traducibilità  dei  nessi  intercorrenti

all’interno di una struttura urbana in visualizzazioni spaziali   (The Translatability of Interconnecting Links within an Urban Structure in Spatial Visualizations) (ed. ARES, 1969), where the artist uses many examples to describe how it is possible to read the urban structure by using the technique of macro scale visualizations “via formal elements reduced to small elements: points”.

This research would initially be presented in 1966 accompanied  by a catalogue at the Flaviana gallery in


Such studies, charaterized by a strong significant component, with respect to the rupture of the “programmed system”, would lead La Pietra, in the second half of the 1960s to develop his “theory of the unbalancing system”, a theory that would use disturbing elements to decipher the social and environmental rigidities of the  urban  structure  via  audio-visual  spaces,  installations,  and  performances.  A  theory  that  still  today represents one of the most original contributions to Conceptual art and Radical architecture.


The exhibition will present fifty works made between 1964 and 1972 (mixed media on canvas and paper, Indian ink on paper, methacrylate sheets, photomontages) and it will be accompanied by the publication of Ugo La Pietra, Campo tissurato, I segni e l’urbano, a cura di Marco Scotini,   Archive Books, Berlin, 280 pages, 19 x 26 cm.


We thank the Archives Ugo La Pietra, Simona Cesana, Lucio La Pietra




*Born in 1938 in Bussi sul Tirino (Pe) Lives and works in Milan




CH-6901 LUGANO TEL 091 923 29 80

FAX 091 923 12 11



Mercoledì – Venerdì

10.30 – 12.30 15.00 – 18.30


10.30 – 12.00 15.00 – 17.00

Lunedì – Martedì su appuntamento

Anren Biennale | Today’s Yesterday | October 28, 2017–February 28, 2018

Posted in docenti, Events, Exhibition, Screening by NABA Painting and Visual Arts on 04/09/2017


The 1st Anren Biennale will take place from October 28, 2017 until February 28, 2018 in the well preserved town of Anren, Chengdu. Under the general title Today’s Yesterday, with the artistic direction by Lu Peng, the Anren Biennale brings together four different exhibition projects by Chinese and international curators with more than 120 participating artists.

The Szechwan Tale: Theatre and History curated by Marco Scotini

The Szechwan Tale. Theatre and History, focuses on the relationship between theater (as the space of masks) and history (as a plot in the making). There are two topics underlying the choice of this section. The first is the location Sichuan, as the fictional background of The Good Person of Szechwan by Bertolt Brecht (1940). The other is the Rent Collection Courtyard (1964) sculptural piece hosted in the city of Anren. They concern the ongoing dialogue, between the East and the West, between the past and the present, around finding in theatrical play a series of references, contaminations, exchanges and fictional or real projections.

Artists: Cornelius Cardew, Céline Condorelli, Chto Delat/What is to be done?, Peter Friedl, Stano Filko, Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi, Piero Gilardi, Lisl Ponger, Dan Graham, Joan Jonas, Ilya & Emilia Kabakov, William Kentridge, Julius Koller, Mao Tongqiang, Michelangelo Pistoletto, Qiu Zhijie, Rithy Panh, Pedro Reyes, Santiago Sierra, Sun Xun, Wael Shawky, Jean-Marie Straub & Danièle Huillet, Marko Tadić, Ulla Von Brandenburg, Clemens Von Wedemeyer & Maya Schweizer, Wei Minglun, Yang Yuanyuan, Mei Lanfang and the Russian Proletarian Theatre (research curator Andris Brinkmanis)

Crossroads curated by Liu Ding, Carol Lu Yinghua

intends to reiterate an irresolvable dilemma. It is not impossible to gain emotional comfort by returning to the past, or to predict the future by detecting signs of historical circles. Neither is moving forward a horizon to count on. Crossroads is skepticism towards escapes, solutions and the long-termed objectives. This exhibition aims to recognize and provide a gaze at a situation of confusion and of being in the center yet having no way out.

ArtistsDaniel García Andújar, Adam Avikainen, Paul Chan, Yorkson (Yimin Chen), Paul Drissen, Karsten Födinger, Marina Gioi, Jos de Gruyter & Harald Thys, Lukáš Jasanský and Martin Polák, Jia Chun, Stanya Kahn, Inmi Lee, Simon Leung, Lin Gang, Lin Yilin, Lu Zhiqiang, Tomáš Rafa, Grace Schwindt, Yuan Yunsheng, The Phantom Modern (curated by Yongwoo Lee; participated by artists including Jae Oon Rho, SoYoung Kim/Kim Jeong, Jane Jin Kaisen, Kyung-man Kim)

A Future That Never Returns curated by Liu Jie, Lu Jing

The section designs s a virtual perspective of future, and takes a gesture of memory-hunting, clinging to and writing down the maze of contemporary history. Based on the humanity history and the site-specificity of Anren, following the time-and-space nodes which are closely connected with the modernization in China—such as rise of Western Learning Spreading to the East, this exhibition unfolds the contemporary art’s discussion on “time.”

Artists: Chen Qiulin, Chen Zhe, Feng Li, Li Lang, Li Qing, Liang Shaoji, Liao Fei, Liu Chuanhong, Na Yingyu, Ma Haijiao, Mr.d.mouse (Zhou Hang), Qiu Anxiong, Qiu Hongfeng, Wang Chuan, Wu Ding, Xu Bacheng, Zhang Tianjun

The Rthetoric of Family Tree curated by Lan Qingwei, Du Xiyun

The focus of the exhibition is to demonstrate the cultural family tree based on the perception of different individuals and the unique methodology and aestheticisms of the artists,discussing the historical cause of the current situation and foresee the possible problems in the future by an artistic method and perspective.

Artists: Art Education Group (Zhang Bin,Ye Hongtu), Chen Xi, Fang Lijun, Fengfeng, Gao Brothers (Gao Zhen, Gao Qiang), Guo Wei, He Dan, He Duoling, He Gong, Huang Rui, Hong Lei, Li Bo, Li Luming, Li Yongzheng, Li Zhanyang, Ma Jun, Meng Baishen, Meng Huang, Mu Huan, Jiang Jie, Jing Kewen, Shen Xiaotong, Shu Qun, Sui Jianguo, Wang Guangyi, Wang Jianwei, Wang Yigang, Xie Xiaoze, Xu Bing, Yang Mian, Ye Yongqing, Yue Minjun, Zhan Wang, Zhang Dali, Zhang Xiaotao, Zhang Wenrong, Zhang Wanxin, Zhang Xiaogang, Zhang Zhaoying, Zhou Chunya, Zhu Jia, Zhu Xi

Marco Scotini nominato curatore alla Anren Biennale

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 19/07/2017


Marco Scotini, Direttore del Dipartimento di Arti Visive NABA, è tra i curatori di Today’s Yesterday, la I edizione di Anren Biennale, diretta da Lü Peng, che si terrà da ottobre 2017 a febbraio 2018 in Cina, nell’antica città di Anren. La sezione curata da Scotini, The Szechwan Tale – Theatre and History, si focalizza sul rapporto tra il teatro (come spazio della maschera) e la storia (nel suo farsi concreto). Due motivi sono all’origine della scelta tematica della sezione. Il primo è il luogo stesso della biennale, il Sichuan, come sfondo fittizio di una delle opere più popolari e mature della drammaturgia di Bertolt Brecht: L’anima buona del Sezuan del 1940.  L’altro è il famoso complesso plastico in creta di 114 figure in scala reale ospitato nella città di Anren e dal titolo Rent Collection Courtyard del 1964. In entrambi i casi, e pur nelle differenze, si tratta di un dialogo tra Oriente e Occidente, tra passato e presente che non ha cessato, e non cessa, di trovare nello stesso gioco teatrale (di maschere e smascheramenti) una serie di rimandi, contaminazioni, scambi e proiezioni fittizie o reali. Come è noto, il grande drammaturgo tedesco, pur non essendo mai stato in Cina, ha proiettato molte delle sue parabole sceniche e testi poetici in ambiente cinese, da Linea di condotta (1930) a Il cerchio di gesso del Caucaso (1943-45), a Legend of the origin of the book tao-te-ching on lao-tsu’s road into exile. Oltre a ciò Brecht ha attribuito la sua tecnica dell’“estraniamento” del suo teatro didattico all’arte scenica tradizionale cinese. Dall’altro lato l’opera dell’Accademia di Sichuan, Rent Collection Courtyard, con tutte le sue figure a dimensione naturale e la sua articolazione per scene narrative, unisce procedure plastiche locali con il realismo scultoreo occidentale. Non è un caso che proprio un artista come Cai Guo-Qiang nella Biennale di Venezia del 1999, curata da Harald Szeemann, abbia ricondotto tutto il complesso di Rent Collection Courtyard in Occidente, lasciandolo incompiuto.

Un altro dei motivi, e forse il più importante, che collega L’anima buona del Sezuan con Rent Collection Courtyard, e che costituisce il cuore dell’esposizione curata da Scotini, fa riferimento diretto al contenuto dei due lavori e al gioco dei ruoli che le maschere mettono in scena. Nel caso del dramma brechtiano la protagonista per adempiere alla propria missione di affermazione del bene sociale è costretta ad assumere due ruoli nello stesso personaggio, a scegliere il male per praticare il bene, a passare continuamente da donna a uomo, cambiando maschera in tempo reale, come nella tradizione dell’opera di Sichuan che prende nome Bian Lian. Dall’altra parte il gruppo scultoreo Rent Collection Courtyard è stato una sorta di manifesto della lotta di classe, un diorama della vecchia società che rifletteva lo sfruttamento e la lotta di classe nella campagna cinese, il re-enactment di una serie di scene in cui si passa dalla sottomissione dei contadini miserabili che pagavano le tasse al feudatario fino all’eroica sequenza finale di resistenza e insorgenza.


L’esposizione tratterà tutti questi argomenti all’interno di una sorta di meta-teatro in cui una serie di artisti internazionali e cinesi forniranno una decostruzione degli strumenti della macchina teatrale, quali il pubblico, il sipario, l’attore (l’automa, il puppet, il teatro delle ombre), i costumi e la scenografia (ambiente mutabile e immutabile), il testo e la musica, come metafora di altrettanti fenomeni sociali e del loro carattere storico.

Il curatore si servirà di tecniche teatrali per mettere in scena l’esposizione facendo ricorso a uno dei principali assunti di Brecht per cui il mondo può diventare oggetto della rappresentazione a patto di essere presentato come qualcosa che può essere cambiato.


Inoltre sarà presente una sezione dedicata al rapporto tra teatro costruttivista russo e Mei Lanfang a cura di Andris Brinkmanis.


La lista degli artisti sarà ufficializzata a inizio settembre.


Asja Lācis archives e Alberto Grifi | 10.06 – 19.09 | Documenta 14, Kassel

Posted in docenti, Events, Exhibition, Screening by NABA Painting and Visual Arts on 08/06/2017




Venerdì 10 giugno, dopo la tappa di Atene Learning from Athens, apre a Kassel, fino al 19 settembre, la 14 edizione di Documenta, una delle più prestigiose manifestazioni d’arte contemporanea al mondo. Il Direttore artistico Adam Szymczyk ha invitato Andris Brinkmanis, Course Leader del Triennio in Pittura e Arti Visive, e Marco Scotini, Direttore del Dipartimento di Arti Visive, a partecipare con un progetto di ricerca e uno screening program alle numerose attività che caratterizzeranno i 100 giorni di apertura della mostra.


Andris Brinkmanis, in collaborazione con Mara Kimele, Beata Paškevica e Hendrik Folkerts, inaugura, presso il museo Grimmwelt di Kassel, Signals from another world: Anna “Asja Lācis” archives. La mostra indaga, attraverso materiali inediti raccolti negli archivi di Riga, Berlino e Mosca, la vita e l’opera di Asja Lācis (1891-1979) e le sue connessioni con il “children’s theater” e con figure come Walter Benjamin e Bertolt Brecht.



Marco Scotini, all’interno di TV Politics, lo screening program, a cura di Hila Peleg, che rivista alcuni dei più importanti tentativi di approccio radicale alle politiche della televisione intraprese negli ultimi decenni, dedica due giornate al filmmaker italiano Alberto Grifi (1938-2007). Presso il cinema BALi-Kinos di Kassel (che ospiterà fra gli altri i film di Jonas Mekas, Mathia Diawara, David Perlov, Mohamed Soueid, Sarah Maldoror e Nagisa Oshima), il 24 e il 25 agosto saranno presentati Verifica IncertaFestival del Proletariato giovanile al Parco Lambro, Dinni e la Normalina, Michele alla ricerca della felicitàArgonauti, Lia, Anna, ed Evviva!, alcuni tra i film che hanno reso Grifi un autore riconosciuto internazionalmente.


Il cacciatore bianco / The White Hunter | A cura di Marco Scotini | 30 marzo 2017, ore 20| FM Centro per l’Arte Contemporanea, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 30/03/2017

Il cacciatore bianco / The White Hunter

Memorie e rappresentazioni africane / African memories and representations

A cura di Marco Scotini

31 marzo – 3 giugno 2017

Opening: 30 marzo 2017, ore 20


FM Centro per l’Arte Contemporanea, via Piranesi 10, Milano


Milano, marzo 2017 – FM Centro per l’Arte Contemporanea è lieto di presentare il terzo appuntamento del suo programma espositivo in occasione della prossima edizione di miart durante la Milano Art Week: Il Cacciatore Bianco/The White Hunter. Memorie e rappresentazioni africane. La nuova e ampia rassegna curata da Marco Scotini prosegue – dopo il successo delle precedenti L’Inarchiviabile, dedicata agli anni Settanta in Italia e Modernità non allineata, sullo spazio culturale jugoslavo durante la guerra fredda – un’indagine sulla decentralizzazione del modello egemonico e indiscusso della modernità artistica occidentale nell’attuale prospettiva geopolitica.

Il Cacciatore Bianco/The White Hunter non è tanto una mostra sull’arte africana quanto sulla costruzione che l’Occidente ne ha fatto. Come scrive Marco Scotini, curatore della mostra e direttore artistico di FM Centro per l’Arte Contemporanea: “La ricognizione parte da una critica radicale del nostro sguardo sull’Africa. Siamo sicuri che quello che ha visto il cacciatore bianco, all’inizio del secolo scorso, non continui ad essere ancora l’oggetto dal nostro sguardo? Ciò che dovrebbe risuonare per tutta la mostra è come lo sguardo (quello del cacciatore) sia risultato un fattore fondamentale nella costruzione di un’Alterità sottomessa. Si tratta di indagare allo stesso tempo le possibilità inassimilabili rimaste fuori”.


Con oltre 30 artisti contemporanei e altrettanti anonimi artisti tradizionali per più di 150 opere, Il Cacciatore Bianco/The White Hunter presenta un percorso articolato sulle forme di rappresentazione e di ricostruzione della memoria e della contemporaneità africane, attraverso lavori provenienti – oltre che dalla Fondation Cartier pour l’art contemporain di Parigi – dalle maggiori collezioni private italiane e da raccolte archivistiche sulla storia coloniale italiana. Gli artisti si posizionano in una cartografia quasi completa del continente africano, attraverso 15 nazioni diverse: Tunisia, Algeria, Mali, Senegal, Sierra Leone, Costa D’Avorio, Ghana, Benin, Nigeria, Camerun, Congo, Kenya, Mozambico, Madagascar, Sudafrica.

L’introduzione alla mostra è affidata interamente a Pascale Marthine Tayou, che trasformerà l’ingresso allo spazio espositivo in una sorta di capanna stipata di cianfrusaglie, che vuole suggerire lo stereotipo dell’Africa nell’immaginario turistico.

La prima sezione è un flashback nell’Italia coloniale degli anni ’20 e ’30, riproposta attraverso il film Pays Barbare (2013) degli artisti Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, pionieri nella ricostruzione archeologica per immagini dell’imperialismo e dell’ideologia della razza, che iniziano quest’opera con la citazione “Ethiopie, pour ce pays primitif et barbare, l’heure de la civilisation a désormais sonné.” Allo stesso modo Peter Friedl ripropone il modello di Carlo Enrico Rava per la fabbrica FIAT a Tripoli. Saranno presentate inoltre alcune rarità bibliofile e documenti: i libri di Francesco Tedesco Zammarano e di Carlo Piaggia, agli album fotografici sulla Libia e del Capitano Roberto di San Marzano. Oltre a Sammi Baloji, anche Kader Attia indaga sul passato coloniale in un’ottica di riappropriazione culturale, introducendo i feticci, le maschere, le tradizioni africane in continuo incontro-scontro con i volti deturpati dei reduci della Guerra Mondiale.

La seconda sezione è dedicate alle opere di arte antica tradizionale con la ricostruzione della sala dedicate all’Arte Negra della Biennale di Venezia del 1922, agli albori del fascismo. Proponendo un nucleo di statue e maschere, provenienti dal Mali, dalla Costa d’Avorio, dal Camerun, dal Gabon e dal Congo, volto ad “evocare” quel momento storico e anche quella sensibilità estetica, a cui seguì una esclusione dell’arte africana dalle manifestazioni ufficiali fino a tempi recenti.

La terza sezione intende essere un riferimento diretto alla mostra Magiciens de la terre del 1989, una serie di campioni di quell’arte che veniva presentata ancora una volta come incontaminata, primitiva, originaria. Gli esempi vanno dalle bellissime terrecotte di Seni Awa Camara ai feticci di legno e aghi d’istrice di John Goba, dalle divinità Vodun di Cyprien Tokoudagba alle architetture immaginifiche di Bodys Isek Kingelez e alle pitture popolari del congolese Chéri Samba.

Nella quarta sezione vengono messe in campo le risposte alla questione sudafricana di artisti come William Kentridge – con una pluralità di linguaggi tra cui l’installazione video History of the Main Complaint (1996) o la rielaborazione del tema del feticcio tradizionale in Twilight of the Idols di Kendell Geers o le cartografie di Moshekwa Langa. La quarta sezione continua con diverse pratiche di riappropriazione e di resistenza a forme di esclusione, egemonia e omologazione, con opere di Yinka Shonibare, Rashid Johnson, Ouattara Watts, Cameron Platter, gli arazzi di El Anatsui e Abdoulaye Konaté.

La quinta sezione è dedicata alle morfologie della differenza, in cui troviamo figure ibridate e che si riconoscono nella condizione di migrante, dalla figura femminile frammentata di Wangechi Mutu, al cinema antimitologico e della memoria di John Akomfrah, ai musei itineranti di Meshac Gaba e gli archivi casuali e improvvisati di Georges Adéagbo. Una sezione dedicata alla fotografia storica con i ritratti di Seydou Keïta, le fotografie vintage di Malick Sidibé e gli autoritratti di Samuel Fosso.

Chiuderanno la mostra una serie di altre sezioni che toccheranno i temi dell’identità, della diaspora, della guerra con opere di Guy Tillim, Gonçalo Mabunda, Nidhal Chamekh, Nicholas Hlobo, Joël Andrianomearisoa. Alla fine, un enorme drappeggio del giovane artista ghanese Ibrahim Mahama lascerà lo spettatore con un accumulo di narrazioni collettive depositate sui sacchi di juta come tracce simboliche dello scambio aperto tra l’Africa e il mondo.

Il progetto, curato da Marco Scotini, si avvale di un comitato di advisor pluridisciplinare che comprende: Simon Njami, direttore artistico della Biennale di Dakar, Gigi Pezzoli, africanista, Grazia Quaroni, senior curator, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Adama Sanneh, direttore dei programmi, Fondazione lettera27.

La mostra è accompagnata da una programmazione di seminari, conferenze e screening realizzate in collaborazione con Fondazione lettera27, Festival del Cinema Africano, d’Asia e America Latina, Biennale di Lubumbashi, Centro Studi Archeologia Africana e altri enti.



Georges Adéagbo, John Akomfrah, Joël Andrianomearisoa, El Anatsui, Kader Attia, Sammy Baloji, Fréderic Brouly Bouabré, Seni Awa Camara, Nidhal Chamekh, Samuel Fosso, Peter Friedl, Meschac Gaba, Kendell Geers, Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, John Goba, Nicholas Hlobo, Bodys

Isek Kingelez, Rashid Johnson, Seydou Keïta, William Kentdrige, Abdoulaye Konaté, Moshekwa Langa, Gonçalo Mabunda, Ibrahim Mahama, Wangechi Mutu, Maurice Pefura, Cameron Platter, Robin Rhode, Chéri Samba, Yinka Shonibare, Malick Sidibé, Pascale Marthine Tayou, Guy Tillim, Cyprien Tokoudagba, Ouattara Watts, Lynette Yiadom-Boakye e altri.



AGI Verona Collection, Collezione Ettore Alloggia, Collezione Bianca Attolico, Collezione Lino Baldini, Collezione Giorgio Bassi, Collezione Denise e Beppe Berna, Collezione Bifulco, Collezione Pierangelo Bonomi, Collezione Vittorio e Anna Carini, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Collezione Consolandi, Collezione Erminia Di Biase, Collezione Nunzia e Vittorio Gaddi, Collezione Laura e Luigi Giordano, Collezione Giuseppe Iannaccone, Collezione Christoph Jenny, Collezione La Gaia, Fondazione Ligabue, Collezione Guglielmo Lisanti, Collezione Emilio e Luisa Marinoni, Collezione Angelo Miccoli, Collezione Ettore Molinario, Collezione Germano Montanari, Nomas Foundation, Collezione Pierluigi Peroni, Collezione Elio ed Onda Revera, Collezione E. Righi, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Collezione Andrea Sandoli, Collezione Gian Luca Sghedoni, Collezione Vincenzo Taranto, Collezione Gemma Testa, Collezione Leonardo Vigorelli, e altre.


La mostra Il Cacciatore Bianco/The White Hunter aderisce all’iniziativa Milano Art Week, un programma di eventi, inaugurazioni e aperture straordinarie nei musei e nelle istituzioni pubbliche e private milanesi in occasione di miart – Fiera Internazionale d’Arte Moderna e Contemporanea Milano.

La mostra è patrocinata dal Comune di Milano.

Gli sponsor tecnici dell’evento sono Untitled Association e Birra Menabrea Spa.

FM Centro per l’Arte Contemporanea di Milano è un nuovo spazio espositivo dedicato all’arte e al collezionismo in grado di rispondere alle nuove modalità di presentazione della Collezione e delle differenti forme della creazione contemporanea. La sua vocazione è quella di una struttura che raccoglie in un unico contesto tutti i soggetti e le funzioni connesse alla valorizzazione dell’arte, alla sua esposizione e conservazione. Quale spazio espositivo, deposito, istituto di ricerca e centro di restauro, attivando un programma culturale ed educativo innovativo, FM ospita collezioni private e archivi d’artista.

Situato all’interno dello storico complesso industriale dei Frigoriferi Milanesi, FM Centro per l’Arte Contemporanea, sotto la direzione artistica di Marco Scotini, è presieduto da un board internazionale di esperti tra cui Vasif Kortun (Director of Research and Program, SALT, Istanbul), Grazia Quaroni (Senior Curator / Head of Collections, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris) e Charles Esche (Director, Van Abbemuseum, Eindhoven), Hou Hanru (direttore artistico, MAXXI, Roma) e Enea Righi (collezionista). FM è un nuovo spazio per l’arte contemporanea, capace di sviluppare nuovi modelli espositivi e museali con un approccio sperimentale alle forme di produzione artistica contemporanea e alla valorizzazione della Collezione in tutti i suoi aspetti funzionali e culturali.

Il progetto FM Centro per l’Arte Contemporanea è sostenuto da Open Care – Servizi per l’Arte (Gruppo Bastogi).


Il Cacciatore Bianco / The White Hunter. Memorie e rappresentazioni africane, a cura di Marco Scotini

31.03.2017 – 03.06.2017

Opening: giovedì 30.03.2017, ore 20.00-23.30

Aperture straordinarie durante miart:

venerdì 31.03.2017: 14.00 – 21.00 – sabato 01.04.2017 e domenica 02.04.2017: 11 – 19.30

Successivamente la mostra sarà aperta fino al 3.06.2017, dal mercoledì al sabato, dalle 14.00 alle 19.30.

FM Centro per l’Arte Contemporanea – via Piranesi 10, Milano

tel. 02 73981 –

Ufficio stampa:

Franca Reginato – e-mail: – tel. 02 73983231 / 335 7766010

Luca Maria Patella | autoEncyclopédie | a cura di Marco Scotini | 30 marzo ore 18.30 | Laura Bulian Gallery, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 30/03/2017

La galleria Laura Bulian è lieta di annunciare l’apertura della mostra autoEncyclopédie di Luca Maria Patella che, dopo più di trenta anni, ritorna a Milano con un’ampia personale. In continuità ideale con la precedente collettiva La quarta prosa (2015), la mostra di Patella è dedicata alla parola visiva e alla scrittura lungo l’intero percorso della sua attività, dagli anni Sessanta ad oggi. autoEncyclopédie è una mostra che, fin dal titolo, si annuncia come il primo capitolo di quella che sarà una vera e propria ricognizione, scalata nel tempo, del lavoro artistico di uno dei più interessanti ed elusivi maestri dell’arte italiana concettuale.


Nonostante Luca Maria Patella si possa considerare un paladino dell’interdisciplinarietà, uno sperimentatore linguistico instancabile e difficile da classificare, del suo multiforme lavoro è stato privilegiato soprattutto il carattere innovatore e spregiudicato rispetto al medium filmico e a quello fotografico, per cui l’artista può essere giustamente annoverato tra gli anticipatori di molte tendenze successive e attuali. Ed è vero che film come Terra Animata (1965-67) o come SKMP2 (1968), così come i suoi “ambienti proiettivi” sono ormai ritenuti dei caposaldi della ricerca multimediale oltre che grandi acquisizioni artistiche. Eppure il linguaggio verbale (tanto nell’oralità che nella scrittura) è sicuramente la materia prima e plastica dell’intera attività di Patella. Anche se la sua ricerca risulta altrettanto distante dalla tautologia di matrice analitica e strutturale che dal cut up della poesia visiva coeve.


La parola e il segno entrano nei differenti layout (grafici, fotografici, filmici, performativi) di Luca Maria Patella, proliferando e disseminandosi all’interno e all’esterno dei formati, sotto forma di calembours, di giochi linguistici, di terreni magici che si fanno e si disfano incessantemente, che si sgretolano e si ricompongono a velocità diverse, a differenti focalizzazioni dello sguardo. Le parole si disgregano ciascuna in una molteplicità di sillabe che infrangono il piano semantico per ricomporsi a livello fonetico o viceversa. Ma si moltiplicano anche o si rovesciano riflessi negli specchi, si contraggono in schemi ideografici oppure sconfinano e circolano da un medium all’altro. I codici di lettura e i modelli di comunicazione abituali risultano inadeguati e compromessi, così come vengono messi in discussione le posizioni del percepire e dell’agire del soggetto.


Attraverso il ricorso alla psicanalisi (da Jung a Lacan) e all’infrasottile di Duchamp, quello che Patella intende minare sono le strutture di individuazione e di identificazione con cui noi catturiamo il mondo, le cose e noi stessi. Lo smontaggio di queste strutture intende aprire al possibile, in favore di una materia sempre mobile, di un flusso che non si fissa mai in stereotipi o convenzioni ma è sempre in atto, in divenire. Per questo, oltre i film, le tele fotografiche e gli ambienti istallativi, c’è tutta una intensa attività editoriale che raggiunge oltre sessanta pubblicazioni monografiche di differente soggetto e formato a partire dal primo esplosivo libro d’artista Io sono qui del 1975 fino a tutta la produzione delle sue Gazzette Ufficiali o Ufficiose.


Il titolo della mostra allude tanto al primato della parola in Patella quanto alla sua pretesa ironica di fondare un altro sistema completo di cognizioni, inteso ad abbracciare l’intero ambito della conoscenza, dall’arte alla scienza, a partire dalla propria autoanalisi psicanalitica. autoEncyclopédie intende proporsi dunque come una sorta di antologica dell’opera di Patella attraverso, in questa prima fase, la scrittura. Oltre ad essere un omaggio all’altro suo grande maestro, il proto-psicanalista Denis Diderot, al quale aveva dedicato un libro uscito nell’84, Jacques Le Fataliste come Autoencyclopédie, che sarà ripubblicato in occasione delle mostra milanese da Archive Books e Laura Bulian Editions.

“Non appartengo a nessuno – recita il testo di Diderot – e appartengo a tutti. C’eravate prima d’entrarvi e ci sarete quando ne sarete usciti”. E questo, per Patella, non è che l’inconscio.


Luca Maria Patella was born in 1934 in Rome, Italy. He lives and works in Rome, Italy.

Selected shows since 2006

2017  Luca Maria Patella. autoEncyclopédie: La scrittura, curated by Marco Scotini, Laura Bulian Gallery, Milan, Italy (solo show)

2016   Versus – La Sfida Dell’artista Al Suo Modello In Un Secolo Di Fotografia E Disegno, Galleria Civica di Modena, Modena, Italy; Luca Maria Patella – Ambienti proiettivi animati, 1964-1984, MACRO Museo d´Arte Contemporanea Roma, Rome, Italy (solo show); Segni, Alfabeti, Scritture. Percorsi Nell’arte Contemporanea Attraverso La Collezione Macro, MACRO Museo d´Arte Contemporanea Roma, Rome, Italy

2015  Egosuperegoalterego. Volto E Corpo Contemporaneo Dell’Arte, MACRO Museo d´Arte Contemporanea Roma, Rome, Italy

2014  Scenario di terra, MART- Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto, Italy; II paesaggio italiano. Fotografie 1950 – 2010, Museo di Roma in Trastevere, Rome, Italy

2013  Anni ’70. Arte a Roma, Palazzo delle Esposizioni, Rome, Italy; Project Room. Fotografia dalle collezioni, Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia, Italy; Duchamp re-made in Italy, GNAM, Rome, Italy

2012  Ritratto di una città. Arte a Roma 1960 – 2001, MACRO Museo d´Arte Contemporanea Roma, Rome, Italy; Libri d’artista e altri racconti, GAM – Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate, Gallarate, Italy

Forte Piano: Le forme del suono Prima parte, Auditorium Parco della Musica, Rome, Italy; Ends of the Earth, Land Art to 1974, MOCA, Los Angeles, USA

2011 Lvi Mostra Nazionale Premio Città Di Termoli 2011, Galleria Civica D’arte Contemporanea, Termoli, Campobasso, Italy; Italian Landscape In Photography Of The 1950’s–2000’s – Stroganov Palace, Saint Petersburg, Russia

2010  Luca Maria Patella. Proiezioni e visioni cosmiche 1965/1969, Galleria Nazionale d’Arte Moderna (GNAM), Rome, Italy (solo show); Ergo, materia. Arte povera, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Messico City, Messico

2009 Italics: Italian Art between Tradition and Revolution 1968–2008, Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Chicago, USA; Art of Live – for 5 000 €, La Triennale di Milano. Design Museum, Milan, Italy

2008  Italics. Arte Italiana fra Tradizione e Rivoluzione, 1968-2008, Palazzo Grassi – Francois Pinault Foundation, Venice, Italy

2007  CAPRIBATTERIE la quarta, arteversum, Düsseldorf, Germany

2006  Italy made in art – Now, MOCA Shanghai, Shanghai, China



Title    Luca Maria Patella. autoEncyclopédie: La scrittura

Artist   Luca Maria Patella

Curated by Marco Scotini

Opening    30th March 2017, at 18.30

Until        23.06.2017

Venue    Laura Bulian Gallery, via Piranesi 10, 20137 Milano

Time   from Monday to Friday: 15.00 — 19.00.

Morning and Saturday upon appointment




via G.B. Piranesi, 10

20137 Milano

Tel. + 39 02 738 44 42










Regina José Galindo, Piero Gilardi | Il Teatro Subalterno | a cura di Marco Scotini | 29 marzo ore 19.00 | Prometeogallery di Ida Pisani, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 29/03/2017

Regina José Galindo, Piero Gilardi

Il Teatro Subalterno

a cura di Marco Scotini


Opening: 29 marzo 2017 ore 19.00
Dal 30 marzo al 19 maggio 2017

Prometeogallery è lieta di annunciare l’apertura della sua nuova sede con la mostra Il Teatro Subalterno, che vede due eminenti artisti di differente generazione, come Regina José Galindo e Piero Gilardi, condividere per la prima volta lo stesso spazio. Non si tratta di una doppia personale ma di una mostra fatta di accostamenti, parallelismi, contaminazioni, dove due figure chiave del rapporto arte-politica si incontrano in uno spazio fisico e metaforico, allo stesso tempo.


Questo luogo metaforico è la geografia sociale dell’America Latina, da sempre lo sfondo privilegiato delle performance di Regina José Galindo e, nel 1982, il campo temporaneo di un’animazione teatrale di Piero Gilardi nel contesto compromesso del barrio San Judas di Managua, al tempo della vittoria sandinista. La forma d’intervento estetico che caratterizza i due artisti è, di fatto, la performatività e il teatro urbano come strategia di rivendicazione sociale, pur nelle differenti modalità di ciascuno. Da qui deriva il titolo della mostra, Il Teatro Subalterno, a cura di Marco Scotini, che intende ricollocare queste esperienze nel rapporto tra dominio e sfruttamento.


Della lunga e complessa attività di Piero Gilardi si presentano le esperienze a sfondo antropologico che l’artista tiene all’inizio degli anni ’80 in una geografia periferica e decentrata del mondo che va dalle popolazioni San Judas di Managua, alla riserva indiana di Akwesasne in Nord America, alla tribù Barsaloi Samburu in Kenya. Per l’artista italiano si tratta allora di verificare, nel contesto di culture “altre”, le esigenze di creatività collettiva maturate all’interno della controcultura degli anni ’70. I suoi costumi di carattere politico in poliuretano espanso, assieme ai suoi celeberrimi Tappeti-Natura (presenti anche in mostra), sono l’espressione non solo di un’arte corale e fruibile ma anche della volontà di dar voce a ciò che tanto nella natura e nella società è espropriato e sottomesso.


Il teatro solitario di Regina José Galindo preferisce, invece, mettere in scena una denuncia individuale e una stoica resistenza alle forme di violenza e sopruso che caratterizzano la realtà contemporanea in America Latina. Ma lo fa sempre, però, in contesti pubblici o in spazi agricoli e naturali dove più evidente risulta il vincolo che lega gli effetti di potere sul corpo alle strategie di subordinazione dello spazio. Incancellabili le strategie militari di terra bruciata compiute dall’esercito di Efraín Ríos Montt sui corpi delle donne, sulle comunità indigene, sulle varietà vegetali, sulle forme di produzione così come le espropriazioni attuali perpetrate dal carattere estrattivo del neolocolonialismo multinazionale. Dal progetto El dolor en un pañuelo (1999) a La Verdad (2013), da Paisaje (2012) a Tierra (2013) la mostra cercherà di presentare il percorso storico dell’artista guatemalteca, attraverso alcuni episodi fondamentali dove la richiesta di giustizia non smette di urlare.


Prometeogallery di Ida Pisani

Via G. Ventura, 6 – Milano

La Macchina Estrattiva – Neo-colonialismi e risorse ambientali | a cura di Marco Scotini | 25 marzo ore 18.00 | PAV, Torini

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 22/03/2017



La Macchina Estrattiva

Neo-colonialismi e risorse ambientali

a cura di Marco Scotini

26 marzo – 4 giugno 2017


Sabato 25 marzo alle ore 18.00 inaugura La Macchina Estrattiva, curata da Marco Scotini, nuova mostra con cui il PAV prosegue la propria indagine sul rapporto antagonista tra attivismo ambientale e politiche neoliberiste su scala globale. Facendo seguito a Vegetation as a political agent (PAV 2014) la mostra vuole essere un’indagine ulteriore sulle forme del colonialismo (sia storico che contemporaneo) con cui l’occidente continua ad incidere sui destini del mondo, delle culture e della natura, in maniera ormai irreversibile.


Una tesi condivisa da più teorici (da David Harvey a Saskia Sassen) è quella che vede il sistema finanziario attuale come la seconda fase del capitalismo: definita come “fase estrattiva”. Non più legato esclusivamente alla produttività modernista, ai consumi di massa e alla circolazione delle merci, il nuovo capitalismo si presenta piuttosto come un gigantesco meccanismo di estrazione di valore dall’uomo e dalla natura con una progressiva inclusione di tutte le possibili risorse, che non lascia al suo esterno nessun ambito della vita individuale né dell’ambiente naturale.


Alla nascita di una nuova élite predatrice e corporate fanno da contraltare l’espulsione di migliaia di persone dai loro territori, la crescita di nuove povertà e la massiccia espropriazione dei suoli, delle acque e di tutti gli altri beni comuni, nonché l’espansione sempre maggiore del settore minerario. Il capitalismo estrattivo o l’accumulazione per spoliazione (accumulation by dispossession) secondo Harvey, a dispetto dell’imminente esaurimento dei combustibili fossili, continua a devastare immense aree del pianeta, perpetrando uno scempio programmato nei confronti della natura, replicando pratiche di sfruttamento che ripropongono un nuovo colonialismo, agendo a discapito della dignità e dei diritti delle popolazioni indigene del Nord e del Sud del mondo.
Il modo in cui queste problematiche possono essere affrontate a partire da principi ecologici e non antropocentrici, costituisce il centro teorico di La Macchina Estrattiva, Neo-colonialismi e risorse ambientali. Le opere dei cinque artisti in mostra sono animate da uno spirito attivista e  transdisciplinare, volto all’esplorazione dell’ambito ecologico, a partire da diverse prospettive d’osservazione di fenomeni come l’inquinamento, la desertificazione, il cambiamento climatico, la privatizzazione delle colture agricole o l’ineguale redistribuzione dei costi e dei vantaggi sottesi alle modificazioni ambientali oggi in atto.

La cartografia di attivismo indigeno, stato di diritto e resistenza ambientalista rintracciata da Ursula Biemann (in collaborazione con l’architetto brasiliano Paulo Tavares) nel progressivo processo di distruzione della Foresta Amazzonica; l’accusa alle politiche economiche all’origine del riscaldamento globale e del cambiamento climatico nelle indagini di Oliver Ressler e Piero Gilardi; così come il fenomeno della desertificazione e dei bacini oceanici al centro delle ricerche di Peter Fend o  le manipolazioni genetiche e le culture intensive come estensione del progetto colonialista storico in Pedro Neves Marques, intendono proporsi come sostegno artistico, nella lotta contro le imprese multinazionali predatrici, ai nuovi difensori della terra.


La mostra è realizzata con il sostegno della Compagnia di San Paolo, della Fondazione CRT e della Regione Piemonte.
All’interno delle iniziative previste per l’approfondimento della mostra La Macchina Estrattiva le Attività Educative e Formative del PAV propongono Gesto d’equilibrio, laboratorio sullo svelamento dello stato di salute del nostro habitat. È possibile trattare, in modo critico ed estetico, il tema del cambiamento climatico e della qualità dell’aria, nostro bene comune primario? Il rilevamento quotidiano dei dati atmosferici monitorati dalle postazioni meteo può seguire la continua trasformazione dello stato ambientale, influenzato da comportamenti orientati più alla produzione che alla qualità della vita. A partire da queste informazioni, il laboratorio solleva una riflessione sull’aria che respiriamo, proponendo una rielaborazione di immagini evocative e brani letterari, col fine di rendere manifeste le diverse interpretazioni del mutevole equilibrio che contraddistingue il nostro delicato ecosistema.


Per partecipare alle attività è necessario prenotare: 011 3182235 –


Continua e-Contest, progetto di mediazione interattiva che durante la visita della mostra raccoglie i pensieri del pubblico per registrarne impressioni e considerazioni in una dimensione fluida e dialogante che permetterà la catalogazione dei più ampi e inediti contenuti. Il risultato del progetto in progress è fruibile all’interno del museo attraverso l’utilizzo del sistema QRcode e online alla pagina



Bio degli artisti in mostra


Ursula Biemann (1955) è un’artista, scrittrice e videomaker svizzera. La sua pratica è fortemente orientata alla ricerca, svolta per lo più in località remote, nelle quali investiga le questioni relative al cambiamento climatico e alle ecologie del petrolio e dell’acqua. Le sue opere sono state esposte nell’ambito di mostre personali alla Neuer Berliner Kunstverein n.b.k., Bildmuseet Umea, Svezia, Nikolaj Contemporary Art a Copenhagen, Helmhaus Zurigo, Lentos Museum Linz, e ai film festivals FID Marsiglia e TEK Roma. Il suo lavoro è stato parte di grandi mostre ad Arnolfini Bristol; Tapies Foundation Barcelona; Museum of Fine Arts Berna; LACE, Los Angeles, KIASMA Helsinki, San Francisco Art Institute; Jeu de Paume, Parigi, Steirischer Herbst, Graz, Kunstverein Amburgo e molti altri; inoltre ha partecipato alle Biennali di San Paolo, Gwangju, Shanghai, Liverpool, Bamako, Istanbul, Montreal, Venezia, Salonicco e Siviglia.
Peter Fend (1950) vive e lavora a New York. Nel corso della sua carriera di artista, si è sempre focalizzato sulla questione dello sviluppo economico su scala globale, con un’attenzione particolare alla questione ecologica. Nel 1980 è tra i fondatori dell’Ocean Earth Development Corporation, che svolge attività di ricerca, sviluppo e promozione di fonti di energia alternative.
Di recente i suoi lavori sono stati esposti in in diversi contesti internazionali, tra cui la Galerie Barbara Weiss, Berlino; Oracle, Berlino; ZKM Karlsruhe, Germania; mumok (MUseum MOderner Kunst), Vienna; Musées Royaux des Beaux-Arts Belgique, Bruxelles (2015); Essex Street, NY (2014). Ha inoltre partecipato a diverse edizioni della Biennale di Venezia,  oltre alla Biennale di San Paolo e alla Dojima River Biennale, Osaka e a alle edizioni VIII e IX di Documenta, Kassel.


Piero Gilardi (1942) vive e lavora a Torino. Artista e teorico, nel1969 comincia una lunga esperienza transculturale diretta all’analisi teorica e alla pratica della congiunzione Arte-Vita. Come militante politico e animatore della cultura giovanile conduce svariate esperienze di creatività collettiva nelle periferie urbane: Nicaragua, Riserve Indiane negli USA e Africa. A partire dagli anni Sessanta, attraverso i Tappeti natura, sua cifra stilistica, l’artista propone una personale rielaborazione del concetto di natura che si confronta con la storia, il presente in divenire, lo spazio e il tempo in progress della vita. E’ ideatore e fondatore del PAV Parco Arte Vivente nel quale si fondono le sue esperienze relative al mutamento della natura e dell’arte in senso relazionale. Tra le personali più recenti si segnala Piero Gilardi. Effetti collaborativi 1963 – 1985, Castello di Rivoli – Museo d’Arte Contemporanea, Torino, Van Abbemuseum, Eindhoven, Nottingham Contemporary, Nottingham, 2012-2013


Pedro Neves Marques (1984) è  un artista e scrittore che lavora tra Lisbona, Londra e San Paolo. Il suo lavoro si spinge l’oltre i confini della riflessione ambientalista, focalizzandosi sull’influenza che l’ecologia ha sull’uso della tecnologia, le dinamiche governative e le lotte politiche. I suoi lavori sono stati esposti nell’ambito di mostre personali e collettive tenutesi in contesti internazionali quali Galleria Umberto Di Marino, Napoli; Oregaard Museum, Hellerup, Danimarca, Fundacíon Botín, Santander, Spagna, (2017); Galerie Martin Janda, Vienna; Sursock Museum, Beirut  (2016) e-flux, New York, USA (2013). Ha inoltre partecipato alla Contour8 Bienniale, Mechelen, Belgio (2017).
Oliver Ressler (1970) è un artista e filmaker austriaco, che vive e lavora a Vienna. Ressler crea installazioni, progetti nello spazio pubblico e film incentrati sull’economia, la democrazia, il riscaldamento globale, le forme di resistenza e le alternative sociali. Tra le sue più recenti mostre personali ricordiamo quelle tenutesi ad ar/ge kunst, Bolzano; Centre of Contemporary Art, Salonicco; National Museum of Contemporary Art, Bucharest; SALT Galata, Istanbul (2016); Lentos Kunstmuseum, Linz (2014); Centre d’Art Contemporain, Ginevra (2013). Ha esposto nell’ambito di importanti mostre collettive in contesti quali  ROM for kunst og arkitektur, Oslo  (2017); Kunst Haus Wien, Vienna; Kunsthalle Bratislava, Bratislava; MOCAK – Museum of Contemporary Art, Krakow ; Centre Pompidou, Parigi (2016). Ha inoltre participato alle Biennali di Samara, Wroclaw, Atene, Marrakech, Venezia, Berna, Gyumri, Lione, Praga, Berlino e Kyoto.

Gianni Pettena | About Non Conscious Architecture | a cura di Marco Scotini | giovedì 12 gennaio ore 19.00 | Galleria Giovanni Bonelli, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 10/01/2017



Gianni Pettena

About Non Conscious Architecture

a cura di Marco Scotini

12 gennaio – 24 febbraio 2017

inaugurazione giovedì 12 gennaio ore 19.00



La galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare, per la prima volta nei propri spazi, un’ampia antologica dei lavori dell’artista Gianni Pettena, che si concentrerà sull’attività svolta tra il ’68 e la fine degli Anni’70: il decennio cruciale della sperimentazione artistica e sociale in Italia.


Se anni fa Emilio Ambasz scriveva che Gianni Pettena è tra quei protagonisti dell’Architettura Radicale che non hanno ancora avuto il giusto riconoscimento, è vero che proprio adesso si assiste ad un’unanime riscoperta internazionale e a un’attenzione del tutto nuova della figura dell’artista che, per anni, è stata  subordinata a quella del critico e dell’interprete dell’Architettura Radicale.


Proprio per questo la figura e la multiforme attività di Pettena appaiono oggi totalmente inedite e tali da raccogliere in sé tematiche decisive per la contemporaneità, come il rifiuto del lavoro disciplinare, il sabotaggio, l’appropriazione, la performatività dell’urbano e la riscoperta del carattere fisico dei luoghi e del paesaggio naturale. Da qui deriva il titolo della mostra che è tratto da un articolo fondamentale di Pettena uscito sulla rivista “Casabella” nel 1974, risultato dei suoi ripetuti viaggi nel Sud Ovest degli Stati Uniti: dal deserto dello Utah alla Monument Valley.


L’anno prima, il 1973, era uscito anche il suo libro, ormai leggendario, “L’Anarchitetto” in cui molte sono le affinità con la pratica artistica che, in perfetta sincronia, stava sviluppando Gordon Matta-Clark ma con cui molte sono pure le differenze. Tuttavia in entrambi alla base c’è l’idea di non costruire ma di operare nel già costruito, lasciandone emergere lo spazio inconscio o inconsapevole che  normalmente viene rimosso – così come l’idea dell’architettura e dello spazio quale evento, come performance permanente, che vede il rapporto di Matta-Clark con Trisha Brown e di Pettena con Giuseppe Chiari.


Per questo motivo Marco Scotini ha scelto di presentare un’ampia selezione di lavori risalenti alla fine degli anni ’60 e i primi anni ’70, non per sottrarre l’autore alla sua opera successiva di grande valore ma nella convinzione che risale proprio a questo periodo, dell’attività di Pettena, uno dei raggiungimenti cruciali del fare arte ancora tutto da scoprire e da praticare. Nel percorso espositivo saranno presentati molti materiali editi ed inediti realizzati da Pettena con differenti media.

Per l’occasione sarà riallestita al centro della galleria la grande scritta Carabinieri (creata per la prima volta nel 1968) che è uno degli esempi più importanti di intervento spaziale semiotico di quegli anni, in cui è il linguaggio stesso a rivelare il carattere (di cattura e controllo) del contesto, mettendo in evidenza la natura etico-estetica della ricerca radicale di Gianni Pettena.




Gianni Pettena (Bolzano, 1940. Vive e lavora a Firenze).

Gianni Pettena è tra i fondatori,  alla fine degli anni ’60 a Firenze, del movimento “architettura radicale” insieme a Superstudio, Archizoom, UFO. Nel 1972 realizza la sua prima mostra personale alla John Weber Gallery a New York. Negli anni successivi si dedica sia all’attività di artista che a quella accademica, spesso indagando le connessioni tra le proposte delle generazioni più giovani e il retaggio della sperimentazione iniziata negli anni ‘60.

Le opere di Gianni Pettena, in particolare i lavori del cosiddetto periodo ‘americano’ (1972) e i molti disegni la cui visionarietà si è poi spesso tradotta in profetica realtà, assumono un valore tanto per la loro specificità e unicità all’interno della sperimentazione radicale degli anni Sessanta e Settanta quanto per i loro influssi sul mondo dell’architettura, del design e dell’arte contemporanea successivi. Il suo lavoro è stato presentato in musei e istituzioni come: il Centre Pompidou di Parigi (1978), la Biennale di Venezia (1996), il Mori Museum di Tokyo (2004), il Barbican Center di Londra (2006), il PAC di Milano (2010), e il Museion di Bolzano (2008 e 2014).




Galleria Giovanni Bonelli