NABA Painting and Visual Arts/What's going on?

Simon Wachsmuth | December the 4th, 2018 at 4 pm/ Room C0.2 | NABA, Milan

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 03/12/2018

 

 

NABA, Department of Visual Arts and Curatorial Studies is proud to present a public conference by internationally recognized artist, Simon Wachsmuth (December the 4th, 2018 at 4 pm/ Room C0.2). This event dedicated to discussing the Archive will be introduced by Marco Scotini and moderated by Zasha Colah.

On December the 5th, from 4.00 pm to 6.30 pm (room A0.3), Wachsmuth will hold a workshop dedicated to the students of the MA in Visual Arts and Curatorial Studies.

 

Among the artists who in particular have drawn from the art historian, Aby Warburg’s visual coincidences, puns and contraptions, and in particular with the methodology inscribed in Warburg’s great comparative archive of images, his experimental ‘Mnemosyne Atlas’, is the contemporary artist Simon Wachsmuth. From works in ‘Lieber Aby Warburg, was tun mit Bildern?’ at the Museum für Gegenwartskunst in Siegen in 2012; to ‘Atlas, or How to Carry the World on One’s Back’ at the Reina Sophia museum in Madrid in 2010; to ‘Mnemosyne’, Steinle Contemporary in München in 2008; to the work ‘Where We Were Then, Where We Are Now’ which was conceived by the artist for Documenta 12 in 2007—several of his works have created a dialogue with Warburg.

 

Wachsmuth collects archives. He was given
 a Berlin university’s art history department’s archive and slide collection, made over the course of the department’s history, and he began 
to study the archive, to find the ghosts of the archivists who put it together, soon able to distinguish between the different personalities and ordering principles at work within a teaching archive made over several decades. Wachsmuth’s artworks have much to do with, and are in fact tied up with, an interrogation of method itself. The prising of a text into a collage of words, or searching an archive for the method it presents, is the starting point of Wachsmuth’s method of arriving at his own creative process.

 

“Memory is an essential issue in our society. It brings the past into the present, and opens it up to the future. That way, memory is important as a tool, helping us to shape our social relations, analyse cultural strategies and create the destination, towards which we develop our society.

But memory also matters literally, because it is mediated by and through matter. Memory is both mental and material. A culture constitutes itself through its inanimate objects: so how do we remember through things and how do objects help us understand (cultural) memory as a dynamic process and practice, as well as its ideological framework?

Within the broad field of memory and history, I would like to focus on two important paradigms, or examples: the archive and the document. Whereas the archive represents the idea of collective knowledge, the document is an object between spheres, often still a part of the present and at the same time, already a representation of history (and later on, the document “awaits” its reanimation and conteporalisation.) The lecture will use my own practice and works, showing how I deal with these issues.

I will also reflect on the teaching-plan developed by me at the Academy in Prague in 2014, giving students the opportunity to gain practice with both, using external sources of knowledge (researching) and acquiring experience and exercise in dealing with existing materials—literally grappling with documents such as a “readymade” (naturally involving the aesthetic aspect of dealing with materials).

During the closed workshop, I will aim to reflect upon two things: on the one hand, looking into external sources of knowledge (research, archives, collections) and on the other hand, how artists deal practically with existing materials. This means an engaging encounter with documents as objects to work with, a “readymade”. Each student is challenged to investigate these materials and to make them productive in one’s own work. Further that process enables gaining experience in documentary practices in particular and developing sensitivity for the treatment of complex materials in general.”—Simon Wachsmuth

 

 

Simon Wachsmuth

Born 1964, lives in Berlin/Germany.

 

Wachsmuth studied painting and visual-media at the University of Applied Arts in Vienna. Besides participating at the Documenta12 in Kassel (2007), the Istanbul-Biennial (2009) and the Busan-Biennial (2012), his works have been shown in the exhibition ‘Atlas—How To Carry The World On One´s Shoulders’, curated by George Didi-Hubermanat at Madrid´s Museu Reina Sofia. His works have been shown in the New Museum, Nuremberg, the Museo Serralves in Porto, the CAAC in Sevilla, Kunsthaus Graz, Suzhou Museum of Art in China, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, the Museum Ulm. Wachsmuth is represented by gallery Zilberman in Istanbul and Berlin.

 

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GIANNI PETTENA: NON-CONSCIOUS ARCHITECTURE | 28 Novembre 2018, ore 18.00 | FM Centro per l’Arte Contemporanea – Sala Carroponte Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 22/11/2018

Book launch

FM Centro per l’Arte Contemporanea

 

presenta

 

GIANNI PETTENA

NON-CONSCIOUS ARCHITECTURE

Sternberg Press

 

 

28 Novembre 2018, ore 18.00

FM Centro per l’Arte Contemporanea – Sala Carroponte

via Piranesi 10 20137 Milano

 

Introduce Elisabetta Galasso

Intervegono Marco Scotini, Pierre Bal-Blanc, Luca Cerizza, Gianni Pettena

 

Evento in collaborazione con Galleria Giovanni Bonelli Milano

e Dipartimento di Arti Visive, NABA Nuova Accademia di Belle Arti Milano

 

 

Mercoledì 28 novembre 2018, FM Centro per l’Arte Contemporanea apre la nuova stagione espositiva con una grande conferenza dedicata a Gianni Pettena, fra i maggiori esponenti e interpreti del movimento dell’Architettura Radicale italiano. La conferenza vedrà gli interventi di Marco Scotini, Direttore Artistico di FM Centro per l’Arte Contemporanea e Direttore del Dipartimento di Arti Visive NABA Nuova Accademia di Belle Arti Milano, Pierre Bal-Blanc, tra i curatori di Documenta 14, Luca Cerizza, curatore e responsabile CRRI (Centro di Ricerca Castello di Rivoli), e dello stesso Gianni Pettena. Per l’occasione verrà proiettato Intens, un film del 1971.

 

Non-Conscious Architecture trae ispirazione da una serie di fotografie, scattate da Pettena durante un viaggio del 1972 nel Sud-Ovest degli Stati Uniti, che rivelano la possibilità di un’origine inconscia dell’architettura, ed è anche il titolo di un’estesa ricerca monografica pubblicata da Sternberg Press nel 2018, a seguito della personale dell’artista presso la Galleria Giovanni Bonelli di Milano, che verrà presentata per la prima volta. “I paesaggi dello Utah innanzitutto rappresentano per Pettena l’oggetto di una riflessione sul tempo, non più dimensione esclusiva della produzione, bensì luogo dove permettere all’accadimento, all’imprevisto generato dallo stato ozioso, di prendere forma”, scrive Scotini, curatore della monografia.

 

La conferenza ripercorrerà la carriera di Pettena, dai lavori più significativi del decennio 1966-77, un decennio cruciale per la sperimentazione artistica e sociale in Italia, fino alle esperienze più recenti, come Forgiving Architecture, delle strisce di plastica bianche applicate sulla facciata di un palazzo ad Atene nel 2009, o gli Archipensieri realizzati nel 2012 presso il CAC di Bretigny di Parigi, in modo da restituire appieno la complessità della figura di Pettena, critico e architetto ma soprattutto artista visivo. Inoltre verranno affrontati altri episodi fondanti della sua pratica artistica e intellettuale: L’anarchitetto, per esempio, un libro pubblicato nel 1973 ma ormai leggendario, sottolinea il desiderio di lasciare emergere il teatro rimosso e inconsapevole dell’architettura. Questa attitudine pone Pettena in relazione con le proposte, sviluppate negli stessi anni, da parte dei Land artist e in particolare da Robert Smithson e Gordon Matta-Clark. Quindi Pettena, attraverso una produzione che da decenni investiga molti dei temi centrali al contemporaneo, tra cui l’ecologia e la sostenibilità, riconduce i volumi architettonici alle condizioni naturali del paesaggio, riconfigura la performatività dell’urbano e, soprattutto, mette in atto un ostinato rifiuto del lavoro come sabotaggio nei confronti di un’architettura basata esclusivamente sulla funzione.

 

 

Scheda libro

 

Gianni Pettena

Non-Conscious Architecture

 

A cura di Marco Scotini in collaborazione con Gabriele Sassone

 

Testi di Pierre Bal-Blanc, Adam Budak, Luca Cerizza, Émile Ouroumov, Marco Scotini, Elisabetta Trincherini

 

Design by Dallas

 

Sternberg Press, Berlino, 2018

 

 

Gianni Pettena (Bolzano, 1940. Vive e lavora a Firenze) è un artista, architetto, designer, critico e storico dell’architettura,curatore di mostre e docente. Alla fine degli anni Sessanta a Firenze è tra i fondatori del movimento dell’Architettura Radicale Italiana insieme a Superstudio, Archizoom, UFO. Nel 1970 si sposta negli Stati Uniti, dove si dedica sia all’attività artistica che a quella accademica e realizza la sua prima

mostra personale alla John Weber Gallery a New York (1972). Importanti i ripetuti viaggi nel Sud Ovest del Paese, nello Utah dei deserti e della Monument Valley, e l’incontro con Robert Smithson con cui condivide l’interesse per i luoghi di risulta, le periferie, le discariche, gli smelter, le “architetture inconsce”. Negli USA indaga le relazioni tra natura e architettura scegliendo di sottoporre quest’ultima a processi trasformativi “naturali” che ne minano la permanenza, piuttosto che proiettare grandi segni artificiali sul terreno,

come Smithson e altri Land Artists avevano scelto di fare in quegli anni. La sua ricerca si colloca oltre la dialettica dell’avanguardia e la produzione di linguaggi autonomi, rifiuta i confini tra le discipline, orientandosi verso uno spostamento continuo di premesse, di modalità operative e di comunicazione.

Il suo libro L’anarchitetto, pubblicato nel 1973, segnerà le generazioni a venire. È il primo architetto radicale a cui il Frac Centre di Orléans dedica una grande antologica nel 2002, arricchita da una monografia. Il suo lavoro è stato presentato in musei e istituzioni come la Biennale di Venezia, il Mori Museum di Tokyo, il Barbican Centre di Londra, il PAC di Milano, il Museion di Bolzano, il Frac Centre di Orléans, il Centre Pompidou di Parigi, Metz e il CCA di Montreal.

 

 

FM Centro per l’Arte Contemporanea di Milano è un nuovo spazio espositivo dedicato all’arte e al collezionismo in grado di rispondere alle nuove modalità di presentazione della Collezione e delle differenti forme della creazione contemporanea. La sua vocazione è quella di una struttura che raccoglie in un unico contesto tutti i soggetti e le funzioni connesse alla valorizzazione dell’arte, alla sua esposizione e conservazione. Quale spazio espositivo, deposito, istituto di ricerca e centro di restauro, FM ospita collezioni private e archivi d’artista e dà vita a un programma culturale ed educativo innovativo.

Situato all’interno dello storico complesso industriale dei Frigoriferi Milanesi, FM Centro per l’Arte Contemporanea, sotto la direzione artistica di Marco Scotini, è presieduto da un board internazionale di esperti: Charles Esche (direttore del Van Abbemuseum di Eindhoven), Hou Hanru (direttore artistico del MAXXI di Roma), Vasif Kortun (docente, curatore e storico dell’arte, Istanbul), Grazia Quaroni (Director of Collections, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Parigi), Enea Righi (collezionista).

 

www.fmcca.it

 

www.galleriagiovannibonelli.it

 

 

 

 

 

 

 

 

 

www.naba.it

 

 

FM Centro per l’Arte Contemporanea

è sostenuto da Open Care – Servizi per l’arte

 

 

 

 

www.opencare.it

West and East: Mei Lanfang, Stanislavsky and Brecht | China National Academy of Art and Mei Lanfang Memorial Museum | Pechino, 22-23 ottobre, 2018

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 16/10/2018

 

China National Academy of Art and Mei Lanfang Memorial Museum

Pechino, 22-23 ottobre, 2018

West and East:
Mei Lanfang, Stanislavsky and Brecht

L’Accademia Nazionale di Arte della Cina insieme all’Archivio-Museo Mei Lanfang di Pechino organizzano due giorni di seminario internazionale dedicato al più grande rappresentante della drammaturgia e del teatro cinese del Novecento Mei Lanfang, “il mago del giardino dei peri” secondo la definizione di Ejzenštejn. L’intero convegno intente indagare la prima e leggendaria visita di Mei Lanfang e la sua compagnia a Mosca nel 1935, quando l’utopia avanguardistica europea si dà l’ultimo appuntamento prima della notte delle dittature.

L’intervento di Marco Scotini, intitolato «Mei Lanfang in a Brechtian Play. A Curatorial Experience in China» parte dell’esperienza della prima edizione della Biennale di Anren, The Szechwan Tale. Teatro e Storia, che è stata riproposta in una nuova versione espositiva presso FM Centro per l’Arte Contemporanea di Milano.

 

Programma:

22 Ottobre 

 

Wang Ankui (China Art Research Institute), Vadim Shcherbakov (Department of Research of Meyerhold’s Theatre Legacy, Moscow), Zhou Huabing (University of China), Zeng Yongyi (University of Taipei), Natalia Makerova (Coreographer, Moscow), Gong Hede (China Art Research Institute), Liu Zhen (director Mei Lanfang Memorial Museum), Andrea Goldman (University of California, Berkeley), Li Wen (China Art Research Institute), Xie Yongjun (China Art Research Institute), Chen Shixiong (University of Xiamen), Ran Changjian (Chinese Theatre Institute), Vibeke Bordahl (Nordic Institute of Asian Studies, Copenhagen University), Li Changshu (University of Seoul), Jin Fei (Chinese Theatre Institute).

 

23 Ottobre

 

Zheng Chuanyin (University of Wuhan), Hu Zhifeng (ricercatore del China Art Research Institute )

Zhu Hengfu (University of Shanghai), Marco Scotini (Naba Academy, FM Center of Contemporary Art, Milan), Liang Yan (Beijing Foreign Studies University), Gu Shuguang (Renmin University of China), Ding Yangzhong (translator, Brecht specialist), Sun Huizhu (Accademia del teatro di Shanghai), Gu Chunfang (University of Beijing), Zhao Weiming (Chinese Theatre Institute)

Cai Bixia (University of Singapore), Ma Guojun (Central Academy of Drama, Beijing), Zhou Weipei (Nanjing University), Takafumi Morihei (Kobe Gakuin University) e altri.

 

 

Inside-out Museum, Beijing

27 ottobre, 2018

Toward A New Geography: Emerging Alternative Biennales

Marco Scotini, insieme alla storica dell’arte Yu Mia, discuteranno delle biennali marginali/alternative a partire dalla recente esperienza della Second Yinchuan Biennale. Il talk sarà incentrato sulla specificità geografica dei curatori, l’utilizzo e la gestione delle risorse culturali locali e narrazione situata da un punto di vista verticale sulla storia.

SHUBIGI RAO | THE BANISHED BOOK and THE LIBRARY | 4 ottobre ore 18.00/ Aula G0.4

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 01/10/2018

 

SHUBIGI RAO

THE BANISHED BOOK and THE LIBRARY

Public talk

Introducono Marco Scotini e Zasha Colah

4 ottobre ore 18.00/ Aula G0.4

 

Il Dipartimento di Arti Visive e Studi Curatoriali NABA è lieto di annunciare la conferenza pubblica dell’artista indiana, ma di base a Singapore, Shubigi Rao (classe 1975). Con questo incontro, moderato da Marco Scotini e Zasha Colah, ha inizio un ciclo di conferenze con artisti internazionali dedicate al modello dell’archivio (tanto come formato espositivo che come modalità organizzativa) che si svilupperà fino alla primavera 2019 presso NABA.

 

Che cos’è un archivio, o una collezione pubblica o privata? Che cosa significa il suo accesso e come e perché lo condividiamo? Come può l’archivio generare molteplici forme di sapere e accesso, ma nello stesso tempo anche di controllo e abuso? Quali sono le logiche dietro l’accumulazione dei saperi e la distruzione di ciò che è accumulato? Che cosa dunque costituisce una biblioteca? Perché il nominare diventa un atto di appropriazione e, a sua volta, una produzione di gerarchie? Come il modo illuminista di osservare e di collezionare (oggetti, flora e fauna, culture, persone) fa da supporto agli impulsi imperiali e coloniali? Quando distruggiamo una biblioteca che cosa perdiamo? Ma anche: chi è responsabile dell’archiviazione e salvataggio dei dati in internet? Possiamo credere che la circolazione dei saperi online sarà un flusso ininterrotto e come noi, da utenti, possiamo influenzare la memoria di internet e la conservazione dei saperi?

 

Tutte queste domande sono al centro della lecture di Shubigi Rao e del suo intero lavoro che cerca di individuare un terreno condiviso, un legame tra artisti, scrittori, pittori, accademici, bibliofili, attivisti delle biblioteche ‘in ombra’ e altri custodi della cultura e difensori dell’accesso aperto alla conoscenza stampata e parlata.  Nei primi dieci anni di attività l’artista ha operato sotto l’ironico nome d’arte maschile S. Raoul (per superare la misoginia dei sistemi scientifico-culturali ). Dal 2014 è impegnata in un progetto a lungo termine che vede la realizzazione di diversi film e la pubblicazione di cinque libri, di cui il primo è uscito nel 2016 con il titolo “Pulp: A short Biography of the Banished Book”, sulla distruzione delle biblioteche e la censura.

 

Lo spettro d’interessi di Shubigi Rao è molto ampio e va dalla archeologia, neuroscienze, scienze del medioevo (13-15esimo secolo), esplorazioni, scoperte e studi quali nascono tra il 17esimo e 19esimo secolo, lingue, biblioteche, atti di genocidi culturali storici fino alla  teoria dell’arte contemporanea e alla storia naturale. L’artista è particolarmente interessata ad esplorare ambiti di epistemologia e sapere poco noti e considerati. Il suo lavoro si articola in installazioni complesse che contengono libri fatti a mano, testi, disegni, incisioni, macchinari pseudo-scientifici, puzzle metafisici, giochi da tavola ideologici, spazzatura e archivi.

 

Autrice di una serie di lavori in china (china e testi sono i suoi mezzi d’espressione preferiti), Rao mette in discussione anche delle specifiche connotazioni ideologiche e culturali della museologia. Mentre mima e riflette l’estetica del museo, il suo modo di selezionare e mostrare degli oggetti, l’artista contesta, con una buona dose d’ironia, la tassonomia dei musei, il limite che separa la natura dalla cultura, documentazione e fiction, e i criteri di inclusione ed esclusione che usano le istituzioni museali.

 

Shubigi Rao sarà parte della quarta edizione della Kochi-Muziris Biennale che aprirà a dicembre 2018. Tra le sue mostre personali possiamo ricordare: The Retrospectacle of S. Raoul e Useful Fictions. Shubigi ha inoltre partecipato alla 10° biennale di Taipei (2016) e alla Seconda Biennale di Singapore (2008). Ha ricevuto premi e riconoscimenti tra i quali: NAC Creation e Presentation grants, artista in residenza al NTU  CCA, artista in residenza al Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2016-2017). Rao è una docente part-time di Teoria dell’Arte ed è la Supervisor per le Tesi di Laurea di secondo livello alla Facoltà di Arte alla LASALLE College of the Arts in Singapore, dove ha studiato. Ha inoltre ottenuto la laurea (BA hons) in Letteratura Inglese alla Delhi University in India.

 

SHUBIGI RAO

THE BANISHED BOOK and THE LIBRARY

Public talk

Introduced by Marco Scotini and Zasha Colah

October the 4th, 2018 at 6 pm/ Room G0.4

 

NABA, Department of Visual Arts and Curatorial Studies is proud to present a public conference by internationally recognized Indian artist based in Singapore Shubigi Rao (born 1975). This event moderated by Marco Scotini and Zasha Colah will inaugurate a series of conferences with international artists that will take place in NABA, Milan up till the Spring of 2019 and will be dedicated to discuss the subject of Archive (as an exhibition format and an organizational system).

 

What is an archive, a collection, whether public or private? What does access involve and how, and why, do we share? How the archive can give origin at multiple forms of knowledge generation, access, control and abuse? What is the mechanism behind knowledge accumulation and storage destruction? What then makes a library? How naming is an act of ownership and, in turn, of hierarchies production? How the Enlightenment mode of observation, collecting (objects, flora and fauna, cultures, people) aided imperial and colonizing impulses? What do we loose when we destroy a library? But also: who is responsible for the storage of content of the Internet? Can we trust that the online circulation of knowledge will be an endless flow, or how can we as users influence the memory of the internet and the preservation of knowledge?

 

All these questions will be at the core of the lecture held by Shubigi Rao and they are equally part of her entire artistic practice that stems to explore the connective tissue existing between artists, writers, painters, academics, bibliophiles, shadow library activists and other cultural custodians and defenders of print, speech and open access to knowledge. During the first ten years of her activity she operated under a fictive and ironic male name, S. Raoul (in order to overcome the misogyny of the scientific and cultural systems). Since 2014 she is involved in a long-term project that foresees production of several films and publishing of five books. The first one of publications, talking about library destruction and censorship, has been printed in 2016 under the title: “Pulp: A short Biography of the Banished Book”.

 

Shubigi Rao’s interests range from archaeology, neuroscience, 13th-15th century science, 17th-19th century scholarship and exploration, language, libraries, historical acts of cultural genocide, contemporary art theory and natural history. She is particularly interested in unfashionable branches of knowledge and epistemology. Her work involves complex layered installations comprising handmade books, text, drawings, etchings, pseudo-science machinery, metaphysical puzzles, ideological board games, garbage and archives.

 

Being an author of ink sketch series of work (ink and texts are her favorite media), Rao discusses also the ideological and culturally specific underpinnings of Museology. While the artist mimics and mirrors the aesthetics of the museum, its way of selecting and displaying artefacts, she also questions, not without a certain degree of irony, museum taxonomies, the borders that separate Nature from Culture, Fiction and documentary, and the criteria of inclusion and exclusion used by museum institutions

 

She will be part of the fourth edition of Kochi- Muziris Biennale in december 2018. Notable solo exhibitions include: The Retrospectacle of S. Raoul, and Useful Fictions. She has also been shown in the 10th Taipei Biennial (2016), and the 2nd Singapore Biennale (2008). Her awards include the NAC Creation and Presentation grants, artist-in-residence at NTU CCA, and artist residency at Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2016-2017). She lectures part-time in Art Theory and is a MFA Dissertation supervisor for the Faculty of Fine Arts at LASALLE College of the Arts, Singapore, where she obtained her MFA (First Class), and BFA (First Class). She also holds a BA (Hons) in English Literature from Delhi University, India.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Seconda Biennale di Yinchuan | Grande opening – 09.06.2018

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 20/06/2018

Marco Scotini e il team curatoriale con gli artisti

 

«Ogni biennale è un micro-mondo temporaneo con i propri abitanti, i propri spazi, i propri modi di vita. Nel caso di questa biennale (e del suo mondo) mi piacerebbe che fossimo ricordati – se mai lo saremo – come “i nomadologi”», così il direttore artistico Marco Scotini ha aperto con grande successo lo scorso 9 giugno 2018 la Seconda Biennale di Yinchuan. Dei 90 artisti invitati, oltre 60 provenienti da tutto il mondo, hanno partecipato alla cerimonia ufficiale, accompagnata dall’intervento di Lu Peng, direttore artistico del MOCA Yinchuan, di Marco Scotini e degli artisti di rilevanza internazionale Kimsooja e Song Dong di fronte al numeroso parterre di giornalisti e VIP cinesi e internazionali intervenuti per l’opening.

 

La provincia del Ningxia, dove Yinchuan si trova, confina con il Deserto del Gobi e ne è profondamente segnata. Favorita dal Monte Helan, che la ripara dalle tempeste di sabbia del Tengri, e dal Fiume Giallo, che la rende fertile, si tratta di un’area semi-arida in cui mondo rurale e nomade s’incontrano. Con il titolo di Starting from The Desert. Ecologies on the Edge, sotto la leadership di Marco Scotini e con un team curatoriale composto da Andris Brinkmanis, Paolo Caffoni, Zasha Colah e Lu Xinghua (e Yin Shuai come curatorial assistant), la Biennale si articola in 4 sezioni che vanno dallo spazio nomade e rurale a quello sul lavoro con e nella natura, dalla questione delle minoranze a quella della relazione tra voce e scrittura nel rapporto tra Oriente e Occidente. Più di cento lavori (di cui 40 commissionati per l’occasione) occupano i 15.000 metri quadrati del MOCA, l’area esterna dello Hui Nongqu Eco-park e parte del villaggio di residenze d’artista. Durante l’inaugurazione si sono svolte le suggestive performance di Kimsooja, Ho Rui An, Nikhil Chopra, Enkhbold Togmidshiirev, Justin Ponmany, Li Binyuan e Arahmaiani con il musicista Wukir.

 

Circa 20 studenti del corso di Visual Art and Curatorial Studies NABA hanno lavorato per due settimane nel contesto dell’esposizione come supporto al team curatoriale e agli artisti presenti. Il “dietro le quinte” con scritti di diversi registri narrativi, report e brevi annotazioni diaristiche, confluirà in Naba sulla via della seta. The China LogBook, una sorta di diario di bordo filmato dell’intera realizzazione della Biennale. La Biennale, che fatto già molto parlare di sé, rimarrà aperta fino al 19 settembre.

 

Come ha scritto Art Forum: “I culti populisti di oggi, così orgogliosi della maggioranza, vedono le differenze tra i popoli come una minaccia. Mentre la paura e l’odio che vengono generati attraverso questo processo sono diventati una risorsa da utilizzare e mobilizzare. Come possiamo continuare ad affrontare le differenze tra persone, specie, lingue e gruppi etnici all’interno di un tale contesto? È questa domanda che aleggia come uno spettro all’interno e all’esterno della Biennale di Yinchuan”.

 

Marco Scotini e il team curatoriale con gli studenti NABA

 

 

 

Antropocene. Crisi ecologica e potenzialità trasformative dell’arte | 4-5 maggio 2018 | PAV, Torino

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 02/05/2018

The God-Trick | a cura di Marco Scotini | 4 maggio 2018, ore 18.30 | PAV, Torino

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 02/05/2018

March Into Future | Macau University of Science and Technology | giovedì 26 aprile

Posted in Senza categoria by NABA Painting and Visual Arts on 23/04/2018

Giovedì 26 aprile, in occasione di March Into Future, il forum internazionale organizzato da Macau University of Science and Technology, Marco Scotini presenterà la Seconda edizione di Yinchuan Biennale.

 

 

 

Residencies Insights: Ecologies on the Edge | lecture by Marco Scotini (Italy), Curator-in-Residence | Wednesday, 18 April 2018, 7.30 – 9.00pm | NTU Singapore

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 09/04/2018

THE SZECHWAN TALE – China, Theatre and History | a cura di Marco Scotini | 12 aprile – 15 luglio 2018 | FM Centro per l’Arte Contemporanea, Milano

Posted in docenti, Events, Exhibition by NABA Painting and Visual Arts on 05/04/2018

 

THE SZECHWAN TALE
China, Theatre and History

a cura di Marco Scotini

 

12 aprile – 15 luglio 2018

inaugurazione: giovedì 12 aprile, ore 20

conferenza stampa: mercoledì 11 aprile, ore 11

 

 

Dal 12 aprile al 15 luglio 2018 FM Centro per l’Arte Contemporanea presenta The Szechwan Tale. China, Theater and History (Cina, Teatro e Storia), una nuova grande mostra a cura di Marco Scotini – direttore artistico di FM – che si rivolge al contesto cinese, proseguendo la linea d’indagine tracciata con le mostre Non-Aligned Modernity, dedicata all’arte dell’Est Europa, e Il Cacciatore Bianco/The White Hunter, sull’arte africana.

The Szechwan Tale. China, Theater and History inaugura il 12 aprile 2018, durante la Milano Art Week, in concomitanza con miart, la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea di Milano.
La mostra ripercorre la storia delle relazioni tra Oriente e Occidente attraverso i grandi temi del Teatro e della Storia, trattando questi argomenti all’interno di un percorso espositivo unico, concepito come un meta-teatro in cui più di trenta di artisti internazionali e cinesi forniscono una decostruzione degli strumenti della macchina teatrale – il pubblico, il sipario, l’attore (l’automa, il puppet, il teatro delle ombre), i costumi e la scenografia (ambiente mutabile e immutabile), il testo e la musica – come metafora di altrettanti fenomeni sociali e del loro carattere storico.

 

La mostra è una evoluzione del progetto che il curatore Marco Scotini ha realizzato ad Anren, antica città del Sichuan in Cina, all’interno della prima Biennale di Anren (ottobre 2017 – febbraio 2018), intitolata Today’s Yesterday, con l’aggiunta di ulteriori artisti cinesi di fama internazionale. Le opere d’arte in mostra spaziano dalla pittura alla fotografia, dall’installazione ai video e ai film/documentari e provengono da prestigiose collezioni private.

 

Il titolo della mostra è un riferimento all’opera teatrale The Good Person of Szechwan (L’anima buona del Sezuan) di Bertolt Brecht del 1938, messa in scena a Milano al Piccolo Teatro da Strehler nel 1957-58. Altra figura importante per la mostra è Mei Lanfang (1894-1961), uno dei più importanti attori della storia del teatro cinese moderno, che ha influenzato il teatro d’avanguardia russo e poi tedesco. Non mancano i riferimenti all’opera lirica, con la presenza in mostra del costume della soprano Gina Cigna, indossato negli anni ’30 per la Turandot di Puccini al Teatro alla Scala.

 

Artisti: Cao Fei, Cornelius Cardew, Chen Zhen, Chia-Wei Hsu, Céline Condorelli, Peter Friedl, Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Piero Gilardi, Dan Graham, Joris Ivens, Jia Zhangke, Joan Jonas, William Kentridge, Lin Yilin, Liu Ding, Mao Tongqiang, Rithy Panh, Michelangelo Pistoletto, Lisl Ponger, Qiu Zhijie, Pedro Reyes, Santiago Sierra, Sun Xun, Marko Tadić, Ulla von Brandenburg, Clemens von Wedemeyer & Maya Schweizer, Wei Minglun, Yang Yuanyuan, Zhang Huan, Zhuang Hui, Mei Lanfang

Collezioni: Collezione Alessandra e Paolo Barillari, Collezione Enrico Bonanate, Collezione Serena e Paolo Gori, Collezione E. Righi.

Main partner: Biennale di Anren.

Con il patrocinio del Comune di Milano.

La mostra è realizzata in collaborazione con Mei Lanfang Memorial Museum – Pechino, Istituto Culturale Italo-Cinese e NABA Nuova Accademia di Belle Arti – Milano.

Si ringraziano: Archivio Piccolo Teatro – Milano, Charim Galerie – Vienna, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto, European Foundation Joris Ivens, Fondazione Centro Studi Piero Gilardi, Galerie Art : Concept – Parigi, Galerie Edouard Malingue – Hong Kong, GALLERIA CONTINUA – San Gimignano / Beijing / Les Moulins / Habana, Galleria Lia Rumma – Milano/Napoli, Galleria Raffaella Cortese – Milano, Guido Costa Projects – Torino, Laura Bulian Gallery – Milano, Museo Teatrale alla Scala – Milano, ProjectB Gallery – Milano, Prometeogallery di Ida Pisani – Milano, Wei Minglun Literature Museum

L’allestimento, i trasporti e la logistica, la conservazione delle opere sono affidate a Open Care Servizi per l’arte.

Sponsor tecnici: Untitled Association – Birra Menabrea Spa.

Wine partner: La Vigna del Nespolo.

 

 

Aperture straordinarie durante miart (ingresso gratuito):

venerdì 13 aprile: dalle 11.00 alle 22.00

sabato 14 aprile: dalle 11.00 alle 22.00

domenica 15 aprile: dalle 11.00 alle 19.00

 

Orari della mostra dal 12 aprile al 15 luglio 2018 (ingresso gratuito):

dal mercoledì al venerdì 17.00-22.00

sabato e domenica 11.00-19.00

 

Visite guidate e in altri giorni/orari su prenotazione – con possibilità di visitare i Laboratori di restauro di Open Care.

 

Talk su The Szechwan Tale. China, Theatre and History
con Marco Scotini, curatore della mostra; Lü Peng, storico dell’arte cinese; Liu Zhen, direttore Mei Lanfang Memorial Museum – Pechino; Liu Ding, Mao Tongqiang e Zhang Hui, artisti.

Sabato 14 Aprile ore 11.00  – Sala Carroponte di FM Centro per l’Arte Contemporanea

 

FM Centro per l’Arte Contemporanea di Milano è un nuovo spazio espositivo dedicato all’arte e al collezionismo in grado di rispondere alle nuove modalità di presentazione della Collezione e delle differenti forme della creazione contemporanea. La sua vocazione è quella di una struttura che raccoglie in un unico contesto tutti i soggetti e le funzioni connesse alla valorizzazione dell’arte, alla sua esposizione e conservazione. Quale spazio espositivo, deposito, istituto di ricerca e centro di restauro, FM ospita collezioni private e archivi d’artista e dà vita a un programma culturale ed educativo innovativo.

 

Situato all’interno dello storico complesso industriale dei Frigoriferi Milanesi, FM Centro per l’Arte Contemporanea, sotto la direzione artistica di Marco Scotini, è presieduto da un board internazionale di esperti tra cui Grazia Quaroni (Senior Curator / Head of Collections della Fondation Cartier pour l’art contemporain di Parigi), Charles Esche (direttore del Van Abbemuseum di Eindhoven), Hou Hanru (direttore artistico del MAXXI di Roma), Vasif Kortun (docente, curatore e storico dell’arte, Istanbul) ed Enea Righi (collezionista).

 

 

THE SZECHWAN TALE
China, Theatre and History

curated by Marco Scotini

 

April 12 – July 15 luglio 2018

Opening: Thursday April 12, 8 pm

Press conference: Wednesday April 11, 11 am

 

 

From April 12 until July 15, 2018, FM Centre for Contemporary Art present The Szechwan Tale. China, Theatre and History, a new large-scale exhibition curated by Marco Scotini – artistic director of FM Centre – focused on the Chinese context, following the line of research set with the latest exhibitions Non-Aligned Modernity, focused on Eastern European Art, and The White Hunter, on African Art.

The Szechwan Tale. China, Theatre and History will open on April 12th, 2018, during the Milan Art Week and miart, the International Modern and Contemporary Art Fair of Milan.

The exhibition is tracing the relationship between East and West around the grand themes of Theater and History, covering these subjects within a sort of meta-theatre in which more than thirty international and Chinese artists provide a deconstruction of the tools of the theatric machine – such as: the audience, the curtain, the actors (the automaton, the puppet, the shadow theater), the costumes and the backdrops (a changing and unchanging environment), the text and the music – as metaphors of an equal number of social phenomena and of their historic nature.

 

The exhibition is an evolution of the project that the curator Marco Scotini realized in Anren, Sichuan (China), at the first Anren Biennale (28 October 2017 – February 2018), titled Today’s Yesterday, with the addition of other internationally renown Chinese artists. Original artworks included will range from painting to photography, installation to video and documentaries, coming from prestigious private collections.

 

The title of the exhibition is a reference to the theatrical work by Bertolt Brecht The Good Person of Szechwan (Der gute Mensch von Sezuan) written in 1938-1941, also staged by Giorgio Strehler at the Piccolo Teatro in Milan in 1957-58. The figure of Mei Lanfang (1894-1961), one of the most famous Peking Opera artists, which influenced Russian and German avant-garde theater will be central to the exhibition. Other references include the opera, with the lavish costume that the soprano Gina Cigna worn in the ’30s for Puccini’s Turandot at the Teatro alla Scala.

 

Artists: Cao Fei, Cornelius Cardew, Chen Zhen, Chia-Wei Hsu, Céline Condorelli, Peter Friedl, Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Piero Gilardi, Dan Graham, Joris Ivens, Jia Zhangke, Joan Jonas, William Kentridge, Lin Yilin, Liu Ding, Mao Tongqiang, Mei Lanfang, Rithy Panh, Michelangelo Pistoletto, Lisl Ponger, Qiu Zhijie, Pedro Reyes, Santiago Sierra, Sun Xun, Marko Tadić, Ulla von Brandenburg, Clemens von Wedemeyer & Maya Schweizer, Wei Minglun, Yang Yuanyuan, Zhang Huan, Zhuang Hui.

Collections: Alessandra and Paolo Barillari Collection, Enrico Bonanate Collection, Serena and Paolo Gori Collection, E. Righi Collection.

Main partner: Biennale di Anren.

The exhibition is patronized by the City of Milan.

The exhibition will be held in collaboration with Mei Lanfang Memorial Museum – Beijing, Istituto Culturale Italo-Cinese and NABA Nuova Accademia di Belle Arti – Milan.

Thanks to: Archivio Piccolo Teatro – Milan, Charim Galerie – Wien, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto, European Foundation Joris Ivens, Fondazione Centro Studi Piero Gilardi, Galerie Art : Concept – Paris, Galerie Edouard Malingue – Hong Kong, GALLERIA CONTINUA – San Gimignano / Beijing / Les Moulins / Habana, Galleria Lia Rumma – Milan/Naples, Galleria Raffaella Cortese – Milan, Guido Costa Projects – Turin, Laura Bulian Gallery – Milan, Museo Teatrale alla Scala – Milan, ProjectB Gallery – Milan, Prometeogallery di Ida Pisani – Milan, Wei Minglun Literature Museum.

The set up, transport and logistics, the conservation of the works are entrusted to Open Care – Servizi per l’arte.

Technical sponsors: Untitled Association – Birra Menabrea Spa.

Wine partner: La Vigna del Nespolo.

 

 

Special openings during miart (free admission):

Friday, April 13: from 11 am to 10 pm

Saturday 14 April: from 11 am to 10 pm

Sunday, April 15th: from 11 am to 7 pm

 

Opening hours from 12 April to 15 July 2018 (free admission):

from Wednesday to Friday 5-10 pm

Saturday and Sunday 11 am-7 pm

 

Guided tours and other days / times by reservation – with the opportunity to visit the Open Care restoration laboratories.

 

Talk on The Szechwan Tale. China, Theatre and History

with Marco Scotini, curator of the exhibition; Lü Peng, art historian of Chinese art; Liu Zhen, director of Mei Lanfang Memorial Museum – Beijing; Liu Ding, Mao Tongqiang, Zhuang Hui, artists.

Saturday 14th April 11.00am – Sala Carroponte of FM Center for Contemporary Art

 

The venue:

Located in the historical complex of the Frigoriferi Milanesi, FM Centre for Contemporary Art includes an exhibition area and a space for contemporary art galleries and artist archives. Along with the exhibition program, the Centre organizes residencies for artist and curators, seminars and workshops for collectors, as well as film screenings.

 

The artistic direction is managed by Marco Scotini, who is supported by an advisory board of international experts which include Charles Esche (Director, Van Abbemuseum, Eindhoven), Hou Hanru (Artistic Director, MAXXI, Rome), Vasif Kortun (Curator and art historian, Istanbul), Grazia Quaroni (Senior Curator / Head of Collections, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris), Enea Righi (Collector, Bologna).

 

 

 

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